🐃 Le Père C Était Lucien Le Fils C Était Sacha

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Dans ta peau Sybille a perdu son amour et le leader de son groupe de musique. Perdu au sens littéral il s’est évaporé sans laisser de trace, comme le chanteur Alain Kan en 1990. Face à cette disparition, Sybille loue un appartement pour s’y enfermer. Ce lieu va agir comme un révélateur depuis qu’elle est enfant, elle entend une voix au fond d’elle qu’elle a toujours cherché à faire taire. Cette voix va prendre les commandes de sa vie. Conte fantastique écrit avec l’auteur-compositeur Romain Tiriakian, Dans ta peau aborde la longue quête pour trouver sa voix/e. Celle au fond de sa gorge et celle dans laquelle on s’embarque. Cette pièce charrie aussi l’histoire des créatrices qui se sont fait passer pour un autre quand il était impossible de signer de leur nom. C’est l’histoire d’un travestissement, des masques que l’on doit mettre pour se révéler. NOTE D’INTENTION À l’heure où les artistes sont encouragés à nous ouvrir une fenêtre sur leur intimité, souvent factice et bâtie de toutes pièces par des agences de com, on peut questionner le pouvoir d’attraction de l’anonymat, du sans visage qui finalement en devient mille. Comme dans Dorian Gray, le roman fantastique d’Oscar Wilde, il y a dans cette histoire un prix à payer pour entrer dans la lumière. Sybille fait une sorte de pacte, une nuit. Elle laisse la place à son autre elle » sans savoir si elle pourra le contrôler. Et immanquablement elle se laissera dépasser et devra ôter son masque pour ne pas être aspirée. » – Julie Ménard EXTRAIT Aveugle, j’ écoute pour la première fois ma respiration Et suis frappée par une conviction Implacable Quelque chose doit se passer Ou cesser Et tout m’ apparaît clair soudain dans le noir Mille possibilités en un instant Et pourtant je n’en vois que deux En finir pour de bon Ou continuer Mais sans moi M’en sortir de moi Changer d’enveloppe Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. Durée estimée 1h30 Grande Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Ahouvi Vendredi 16 décembre à 19h30 À la suite d’une relation intense, à la fois paradis sensuel et tombeau ténébreux, IL est à bout, il ne peut plus, il coule, il cherche une nouvelle forme de vie en quête de liberté. ELLE nous raconte leur histoire, depuis le premier jour, comme si le pouvoir de celle-ci lui permettait de la garder à l’abri d’une nouvelle tant redoutée. Au centre de leur vie conjugale, il y a le fruit de la récolte – le chien, le déni. C’est par cette présence animale que la tragédie nous engloutit, que l’histoire se fond. Ahouvi, en hébreu, veut dire mon amour ». Ahouvi est une histoire d’amour entre un Français et une Iraélienne, la séparation d’un couple face à la violence et la destruction, mais aussi face à la beauté d’un champ de bataille. Ce texte est un hommage, un hymne à la vie et un oratorio de la douleur. NOTE D’INTENTION À l’âge de 18 ans, 4 mois avant de commencer mon service militaire comme soldat israélien à Gaza, j’ai créé ma première pièce, Sous le ciel bleu et des nuages blancs. 24 mois plus tard, j’ai déserté le service militaire, et entaché à jamais ma citoyenneté israélienne. C’était le début d’une recherche, d’un voyage, d’un questionnement autour de mon rôle comme occupant, comme un juif israélien conscient de sa responsabilité. Je ne suis pas là-bas. Mais l’espace est toujours vivant dans mon corps. J’habite en France depuis presque 9 ans quand je commence à écrire Ahouvi au début de l’été 2021. J’ai en tête mon projet d’écriture Adesh, nouveau volet du travail artistique que je mène autour de mon identité israélienne et de la relation avec mon pays. Dans cet opus j’aborde le conflit israéloarabe vu depuis là-haut, vu par les oiseaux de la Cisjordanie où j’ai séjourné pendant 2 mois en résidence de recherche. Mais pendant ce travail d’écriture, pendant ce dialogue intime et intérieur, alimenté par l’inquiétude que je ressens face à la montée du nationalisme en France, les choses ont radicalement changé pour moi en tant qu’auteur je veux rester en France, je veux parler d’amour, de l’amour que j’ai pour la France et de l’inquiétude que je ressens pour l’avenir de ce pays. C’est ici que je me sens plus libre, plus fragile, plus vivant. Ce pays est mon refuge mais j’ai peur de ne plus pouvoir rester ici. Je ne vois plus la France avec les mêmes yeux, avec le même regard, que quand je suis arrivé. Je ne sais pas où elle est. Je la cherche. J’ai besoin de parler d’amour parce que je suis encore ici. J’ai besoin de parler d’amour pour me préparer au moment où l’on se séparera, au moment où rien ne sera plus pareil. C’est le temps du mythe qui rejoint la réalité. Cet été j’ai décidé de m’écouter, j’ai écrit et terminé le texte de Ahouvi d’un seul geste, même si, au début, ce changement de projet m’a perturbé. Il est sorti de mon corps, en urgence, comme si je l’avais vomi ». C’était douloureux et merveilleux en même temps. Je l’ai terminé fin août 2021, ce n’est plus Adesh, mais Ahouvi. Le titre a changé et l’histoire a pris sa liberté. Bien évidemment, la toile de fond est toujours la relation avec mon pays, Israël. Mais cette fois-ci je veux en parler comme une relation plus intime, amoureuse, sentimentale. Et j’ai décidé de reporter à plus tard la création de Adesh. Je suis un voleur, je vole la vie, la mienne et celle des autres et je les mélange avec la fiction. La fiction c’est ma libération. En utilisant le trouble, l’humour et l’autodérision, mon nouveau récit prend la forme féroce d’une histoire d’amour et relate la rupture d’un couple, France-Israël en quelque sorte. Une histoire d’amour que j’ai vécu avec la France et en France depuis mon arrivée, depuis neuf ans. Une histoire qui raconte, de façon clandestine, ce que c’est que d’être étranger dans un pays, et les répercussions que cela peut avoir dans les relations ambiguës et irrégulières avec son pays natal. Il s’agit d’affronter la violence quotidienne, cachée et discrète, jusqu’au moment où l’on devient notre propre ennemi. Il s’agit de vivre l’échec de cette histoire d’amour, d’un point de vue personnel et politique vivre l’écrasement de l’utopie et le désintéressement puis l’abandon de la France depuis le processus de paix d’Oslo commencé en 1993. Sur le plan diplomatique, le gouvernement français était partagé entre une amitié bienveillante et une franche hostilité. Les relations franco-israéliennes ont toujours été marquées par l’opposition entre le besoin pour la France d’avoir de bons contacts avec un partenaire important au Moyen-Orient et celui de maintenir des relations correctes, voire même privilégiées, avec le monde arabe. Cette théorie permet de démêler les apparentes contradictions de la politique française à l’égard d’Israël. C’est la contradiction intérieure et la complexité dans la vie de ce couple qui m’intéresse. Je ne suis pas là-bas. Mais l’espace est toujours vivant dans mon corps. Ahouvi devient donc le troisième volet de la Quadrilogie de ma Terre. C’est le volet de l’amour, Ahouvi est une histoire d’amour. Le premier volet TBM – Tunnel Boring Machine traitait le conflit israélo-palestinien sous l’angle politique, le deuxième The Jewish Hour l’abordait sous l’angle de la réligion. Enfin, le quatrième, Adesh, nous parlera de l’aspect économique de ce conflit et clôturera la quadrilogie depuis là-haut, depuis le ciel de la Cisjordanie. Ce sont quatre objets, quatre éléments utilisant le trouble, l’humour et l’autodérision, mon nouveau récit prend la forme féroce de la rupture d’un couple. Une histoire d’amour que j’ai vécu avec la France et en France depuis mon arrivée, depuis neuf ans. Une histoire qui raconte, de façon clandestine, ce que c’est que d’être étranger dans un pays, et les répercussions que cela peut avoir dans les relations ambiguës et irrégulières avec son pays natal. Il s’agit d’affronter la violence quotidienne, cachée et discrète dans le couple, jusqu’au moment où l’on devient notre propre ennemi. » – Yuval Rozman EXTRAIT Mais c’est ça l’amour tu comprends pas ?! Ça devient pas mieux, ça c’est l’amour, je te dis, on pète ensemble sous la couette, on fait l’amour follement, je te prépare ton boudin blanc et tu appelles ma mère quand j’en peux plus, ça c’est l’amour. » ©DR Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. Carte TO Plein tarif € Entrée libre Tarif réduit € Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs € Associations, groupesà partir de 6 personnes € Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres € TRIGGER WARNING lingua ignota Jeudi 24 et vendredi 25 novembre à 20h 3h58. Une chambre mansardée. Murs en briques grises. Une fenêtre. Zed s’affale dans son lit, plaque son visage dans un coussin, puis relève la tête. Des écouteurs à ses oreilles, des cheveux en pétard, roses, verts ou bleus, du fard à paupières rose, vert ou bleu, un gros trait d’eyeliner, de longs faux-ongles noirs. Zed scrolle sur son smartphone. Le trigger warning, pratique répandue dans les réseaux sociaux et les médias féministes, consiste en un avertissement écrit prévenant qu’un contenu œuvre, article, post, vidéo peut contenir des éléments susceptibles de déclencher ou réactiver un traumatisme psychologique à une personne. NOTE D’INTENTION Une partition sensorielle, plastique, qui suit la mécanique des réseaux sociaux en faisant descendre sur la page et prononcer à l’oral chacun des éléments apparaissant sur l’écran allumé, comme autant de fictions contenues entre les mains de Zed. Une partition qui utilise aussi, au sein du texte, de la musique contemporaine préexistante pour saisir un endroit de l’espace mental du personnage. Une partition pour différentes voix mais un seul corps et un seul objet, un seul corps qui se confond dans l’objet, qui tombe lorsque l’objet tombe, rayonne lorsqu’il s’éclaire. Car sous la matière épaisse du bloc qui forme la langue, il y a le personnage de Zed, et la fiction dont elle est le cœur, et qui se joue entièrement dans ses doigts, dans les gestes de swipe, clique et verrouillage. Ce n’est pas simplement une expérimentation formelle, mais aussi le déploiement d’un personnage et de son corps, son récit – une tentative de travailler à la fois l’expérience poétique d’un côté, mais aussi l’incarnation, la pure fiction situationnelle, en temps réel, de 3h58 à 5h03 du matin. La fable qui apparaît très progressivement, en soubassement, est celle d’une cavale tragique sur un smartphone, au cœur de la nuit. L’histoire d’une tentative de fuite fuite d’une image qui court les réseaux, d’un raid de harcèlement qui rôde, sous-jacent, dans les mains de Zed, fuite d’une relation toxique, d’une amitié consolatrice. Une fuite de soi, aussi, de ses assignations identitaires. Un élan pour s’éloigner du spectacle de la destruction de sa propre image, puis de son être, dans l’assaillement et le sacrifice. TRIGGER WARNING, c’est l’histoire d’un corps traqué qui scrolle pour passer à l’image suivante, espérant, par ce geste répété, passer à autre chose. » – Marcos Caramés-Blanco EXTRAIT En haut de l’écran, la croix est à droite pour fermer l’appareil photo, un écrou sur la gauche pour les réglages, l’éclair du flash est au centre, barré, un ensemble de pictogrammes orne le côté gauche, et sur tout le reste de l’image, le visage, qui comble l’espace du plan, desserré, laissant désormais apparaître le cou et les épaules, au-dessus du rond central blanc cerclé de blanc clic long rond central le rond central s’emplit progressivement de rouge. Long silence. Wesh c’est Zed. Zed soupire. J’arrive pas à dormir. Silence. Vous aussi quand vous arrivez pas à dormir vous savez plus qui vous êtes ? Silence. Je sais pas. Zed marche dans la chambre. Découvrez la playlist du spectacle accessible ici Durée 1h20 Grande Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Les Enchantements Au cours de trois journées de canicule où le temps s’étire, six personnages, trois hommes et trois femmes, décident progressivement de ne plus subir la chaleur et de prendre les choses en main pour améliorer leur quotidien, et si possible en parallèle, faire de l’argent. Explorant une langue qui prend sa source dans le béton et les barres d’immeuble, Les Enchantements raconte l’histoire d’une jeunesse qui se réinvente face à l’adversité. Elle parle de rires, d’embrouilles, mais surtout de débrouillardise, de solidarité et de la force surpuissante du collectif. EXTRAITS MAÏ – Ouais mais attends sur l’eau y a des moustiques de ouf SO – Les moustiques c’est les eaux stagnantes frère tu racontes quoi MAÏ – Forcément y a des flaques CHA – En vrai j’ai un truc bizarre avec les moustiques moi SO – Elle veut quoi elle encore CHA – Bah chkiffe les piqures de moustique chais pas MAÏ – Attends t’es en train dme dire tu kiffes qu’on tpompe le sang SO – Mais t’es tarée ma parole MAÏ – La go kiffe s’gratter toute la night MO – Ah ouais j’voulais savoir c’est vous qui avez défoncé la balançoire l’aut’fois nan ? LU – La rouge là ah ouais ouais mais attends chte raconte c’est quand on était avec les autres là ils cherchaient les histoires de ouf moi tu m’connais j’veux pas d’problèmes mais jamais il s’approche ça y est c’est bon il fait quoi alors c’est pas j’marche vers lui genre j’vais t’enculer MO – C’est pas ça qu’chte d’mande l’histoire j’la connais juste va réparer LU – Chuis quoi moi réparateur de balançoires MO – Tu casses tu répares LU – Mais t’as fumé toi j’ai autre chose à foutre MO – Tu casses tu répares Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. © tennysan_ Durée estimée 1h30 Petite Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Grand-duc Parlons d’amour. Parlons par la même occasion de la mort, deux thèmes intimement liés. En l’occurrence, c’est à travers la mort que l’on parlera d’amour. Un homme est retrouvé mort dans sa baignoire. Ce mort parle mais est-il entendu ? à l’inspecteur chargé d’enquêter. Une enquête donc, et des entretiens avec cellesceux qui l’ont connu. Entretiens sur les rapports qu’ilelles avaient et sur l’amour qu’ilelles se donnaient. Et à travers ces entretiens, deviner le manque d’amour, le besoin de connexion, le besoin de sens ou de transcendance, deviner la solitude. À travers ces entretiens, chercher une vérité, s’il y en a une. NOTE D’INTENTION Alexandre Horréard, sur son processus d’écriture Pour parler des rapports entre les gens, l’idée s’est imposée qu’il fallait jouer avec la narration. J’ai donc voulu un récit porté par un acteur seul, qui parle d’un endroit insolite, la mort, et qui navigue entre les regards croisés des personnages. Paroles rapportées, paroles rapportées à l’intérieur de paroles rapportées, paroles récitatives, paroles injonctives, paroles performatives. Qui navigue également entre les tons, entre le désespéré et l’ironique, entre l’intime et le lyrique, entre la fraternité et la méchanceté. J’ai voulu suivre l’inspecteur pas à pas, de près, précisément, dans les gestes anodins et les pensées intimes et les attitudes banales. Jouer avec cette précision, jouer avec cette banalité, puis tomber peu à peu dans les abîmes de l’angoisse. » – Alexandre Horréard Laurent Charpentier, sur sa rencontre avec Alexandre Horréard En 2016, je rencontre Alexandre Horréard dans un cours de théâtre où il est mon élève. Nous nous lions d’amitié, lors de conversations souvent littéraires Thomas Mann, Peter Handke, Georges Pérec. Je le découvre très attiré par le théâtrerécit » et des formes théâtrales narratives innovantes auxquelles je travaille. Je lui conseille Crimp, Viripaev, Minyana. Quelques années plus tard, je découvre la première pièce qu’il a écrite Une grande étendue d’eau et j’y distingue une audace formelle, une maîtrise de la langue et un sens de la capture des détails, des symptômes de l’existence. Plus tard encore, c’est le confinement, je lui suggère en passant d’écrire une pièce que j’interprèterais. J’évoque mon goût pour Simenon ou Manchette, la littérature noire… Fin du confinement. Alexandre passe me voir avec en main le texte Grand-duc, qui met en scène un inspecteur de police sur une scène de crime. […] Mettre en scène ce texte écrit sur-mesure » m’a paru évident dès la lecture, tant il répond à mes recherches d’acteur et à mes préoccupations théâtrales depuis plusieurs années l’exploration du spectre entre l’incarnation et la narration, le dialogue de ces registres et, dans la variation des jeux, des rythmes et des corps du récit, la création d’une théâtralité qui laisse du champ au regard du spectateur et à son imaginaire. » – Laurent Charpentier Grand-duc a fait l’objet en juin 2021, d’une résidence au Studio des auteurs, grâce au soutien de Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines et de la SACD. Texte Alexandre Horréard Mise en scène et interprétation Laurent Charpentier, assisté de Jérémy Flaum Dispositif scénographique Gaspard Pinta Conception lumières Laïs Foulc Conception sonore en cours Conseil chorégraphique Alexandre Nadra Production En Votre Compagnie / Olivier Talpaert Carte TO Plein tarif 20€ 10€ Tarif réduit 14€ 8€ Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 12€ L’Âge de détruire Vendredi 18 et samedi 19 novembre à 20h Au début des années 1990, Elsa et sa mère emménage dans un nouvel appartement. Pour Elsa, sept ans, c’est la découverte d’un autre décor d’enfance. Pour la mère, jusqu’alors locataire, c’est un changement de statut social auquel elle ne parvient pas à s’adapter. Entre les murs de l’appartement, c’est la violence silencieuse, l’emprise, puis l’abus qui se déchaînent. Vingt ans plus tard, quand sonne l’heure de quitter les lieux, vient aussi le moment de régler ses comptes. Depuis sept ans, Justine Berthillot et Pauline Peyrade explorent les territoires de rencontre entre le mouvement et l’écriture littéraire. L’Âge de détruire se construit en deux parties. La première âge un est une performance acrobatique, le portrait en mouvement d’une femme qui ne parvient pas à occuper son lieu de vie. À Théâtre Ouvert, Justine et Pauline proposent une lecture de la deuxième partie âge deux, le récit d’une jeune femme confrontée à la vente de l’appartement dans lequel elle a grandi. EXTRAIT Nous avons des mains identiques. Seule l’épreuve du temps permet de les distinguer. Elles prennent chacune leur caractère, se blessent à différents endroits. Nos articulations sont marquées, l’index et l’annulaire courbés vers l’intérieur, ils semblent vouloir se rejoindre. Sa paume est charnue, la mienne creusée, ses doigts sont plus épais, plus solides que les miens, frêles encore et espacés, trop fins pour se toucher quand je les rassemble. Elle ne quitte plus les bagues qui lui viennent de ma grand-mère, elles ont pris chair dans sa chair, comme si les pierres précieuses avaient poussé sur ses phalanges, le métal coulé de sa peau. Elles seront à toi, un jour. Je ne la crois pas quand elle dit ça. Il faudrait les scier, désincruster le métal d’elle. Ce serait un carnage. L’Âge de détruire est une adaptation du premier roman de Pauline Peyrade, à paraître aux Éditions de Minuit. Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. Durée estimée 50 minutes Petite Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Zoé et maintenant les vivants Lundi 14 et mardi 15 novembre à 20h titre provisoire L’écriture de Théo Askolovitch évolue entre humour et tragique. Il décrit la vie telle qu’il la connaît, avec un sourire. Après 66 jours, monologue sur le combat d’un jeune homme face au cancer créé à Théâtre Ouvert, Théo Askolovitch poursuit son travail sur le thème de la réparation. Zoé et maintenant les vivants aborde le sujet du deuil, de la relation que l’on entretient avec les mortes, et avec cellesceux qui restent. Dix ans après la perte d’un être cher, le père, la fille et le fils nous racontent avec délicatesse les étapes de leur reconstruction. Ilelles se rappellent l’annonce, l’enterrement, les rites religieux, puis la vie d’après et dressent le portrait intime d’une famille qui résonne en chacune de nous. EXTRAIT Au loin la voiture se gare et en sortent les personnes en charge de transporter le cercueil. Nola – Papa je crois qu’il y a un problème. Lucien – Quoi ? Nola – Regarde la tombe, c’est normal qu’il y ait une énorme croix dessus ? Temps, les trois se regardent. Lucien – Putain ils se sont trompés ces cons. Sacha – Mais attends on fait comment là, parce que si mamie elle voit ça elle va mourir elle aussi ! Nola – Faut la faire enlever. Sacha – Ouais mais on va pas ramener un pied de biche au milieu de toutes ces familles en deuil quand même ! Lucien – Si on met un grand drap sur le cercueil peut-être que la famille de maman le verra pas. Sacha – T’es sérieux là papa ? Lucien – Mais non… un peu. Nola – Ah mais regardez, il y a une famille qui va vers le cercueil. Sacha – Oh putain c’est pas le nôtre. NOTE D’INTENTION Zoé et maintenant les vivants – titre provisoire, est mon deuxième projet d’écriture. Après 66 jours – monologue et seul en scène sur le combat d’un jeune homme face au cancer – c’était logique de continuer à écrire sur le thème de la réparation, c’était une évidence. Cette fois-ci, j’ai voulu parler du deuil. De la résurrection. J’ai décidé d’axer l’écriture sur trois personnages le père, la fille et le fils. Dix ans après la perte d’un proche, une famille nous raconte les étapes de leur reconstruction. Ils retracent leur passé et racontent leur présent. Ils se rappellent l’annonce, l’enterrement, les rites religieux, puis la vie d’après. Ils se rappellent avec bonheur les souvenirs de celle qui leur a été enlevée. Ils racontent. À quel point passer de l’enfance à l’âge adulte peut-être brutal ? Les trois personnages sont liés par leur histoire, mais chacun se répare différemment avec ses souvenirs. Le deuil est une période de cicatrisation, de guérison, d’un retour à la vie. J’ai voulu travailler autour du prisme de chaque personnage, comment une même situation peut être vécue de différentes manières, comment la réalité de chacun peut être dissemblable ? Ce récit est un puzzle. Dans cette pièce, il n’y aura pas de chronologie entre les scènes. Ce seront des moments de vie, qui bout à bout formeront une histoire. Le texte alternera des monologues intimes de chaque personnage, des scènes de vie entre les trois protagonistes, qui confrontent des idées et des scènes de flashbacks qui retracent des moments de leur passé. J’ai pour habitude d’alterner dans l’écriture l’humour et le tragique ». Raconter la vie comme je la connais, avec un sourire. C’est comme cela, je pense, que ces histoires peuvent résonner en chacun. Depuis quelques années, je crois qu’inconsciemment je me dirige vers des projets qui parlent de la famille. La famille. C’est peut-être ce qu’il y a de plus important pour moi. Ce texte est une suite logique. J’ai poussé le curseur un peu plus loin. Zoé et maintenant les vivants – titre provisoire est mon deuxième texte mais aussi ma quatrième mise en scène. Après Deux Frères, La Maladie de la famille M textes de Fausto Paravidino et 66 jours., je souhaite aussi me recentrer sur la mise en scène, proposer une scénographie plus léchée après le plateau nu de 66 jours, tout en gardant le texte et les acteurs au centre. Ce texte parlera de la relation qu’on entretient avec nos morts, et avec ceux qui restent. » – Théo Askolovitch Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. Texte et mise en espace Théo Askolovitch Avec Marilou Aussilloux, Stéphane Crépon, Olivier Sitruk À partir de 12 ans Durée 1h20 Grande Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Surface de réparation 🖤 Samedi 27 à 19h et dimanche 28 août à 17h Surface de réparation 🖤 CHANTIER DES AUTEURRICES DU 20 AU 28 AOÛT Avec Antoine Aresu, Timothée Israël, Tatiana Gusmerini, Sarah Hassenforder, Mahaut Leconte, Azilys Tanneau Surface de réparation 🖤 propose un espace de recherche sur l’art du montage, une technique d’écriture à l’œuvre dans la pratique d’autrice/performeuse de théâtre de Sonia Chiambretto. Pendant huit jours à Théâtre Ouvert, de jeunes auteurrices ont partagé leur expérience de l’écriture et se sont confrontées à la dramaturgie des unes et des autres. À partir de textes en cours qu’ilelles ont apporté pour ce chantier collectif, ilelles ont élaboré ensemble un récit commun, grâce au montage poétique de la forme. Suvi de Lettre à une jeune poétesse LECTURE PERFORMANCE de et par Sonia Chiambretto L’autrice présente une lecture performance de sa lettre issue du recueil Lettres aux jeunes poétesses, paru aux Éditions de l’Arche en 2021. Le texte est paru aux Éditions de l’Arche, dans la collection Des écrits pour la parole ». Sonia Chiambretto est représentée par L’Arche, agence théâtrale. _____________ ENTRÉE LIBRE SUR RÉSERVATION Billetterie en ligne 01 42 55 74 40 resa Durée estimée 1h Grande Salle Carte TO Plein tarif € Entrée libre Tarif réduit € Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs € Associations, groupesà partir de 6 personnes € Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres € JUILLET 1961 Été 1961. Chloé et Clarisse vivent dans le même quartier à la porte du centre-ville. Chloé se prostitue pour boucler ses fins de mois et ce jour-là, son client s’avère être un inspecteur de police à la recherche de son père. Clarisse, elle, rythme sa journée en naviguant entre son emploi du matin et celui du soir. Pendant ce temps, leurs filles Mary et Dani, explorent la ville jusqu’à assister à d’inévitables violences, des soulèvements qui remontent jusqu’à leur quartier dans un implacable tempo. NOTE D’INTENTION En 2017, je tombe sur un cliché pris par le photographe américain Garry Winogrand. Hantée par cette image, je plonge dans sa série de photographies prises durant les années 60. Un texte gonflait dans mon ventre nourrit par l’énergie, le mouvement, l’improvisation imposée par ces photos. C’est JUILLET 1961. Mais pourquoi 1961? Pourquoi pas 1963, 1964, 1968 ? Ces années frappantes, saillantes, socialement aux Etats-Unis. Je choisis 1961 parce que c’est une année qui semble plane, une année moins visibilisée. Le but est que l’époque ne prenne pas le dessus sur le texte, mais qu’on reste en conscience du contexte de la Grande Histoire dans le lieu que j’ai choisi Chicago. Cette ville est un personnage de JUILLET 1961. Elle cristallise les tensions sociales et ethniques, puisque c’est de cela qu’il s’agit, de même que les ambitions de consommation, de liberté, de rencontres par le jazz. À travers le regard de deux femmes, je veux interroger les mécanismes de l’immobilisme et du changement. Elles vivent sur le même territoire mais dans deux réalités parallèles. Écrasée par leurs besoins de travailler, elles déambulent dans la ville jusqu’à en devenir l’objet. Leurs enfants les confrontent à la réalité de leur condition sociale. Une génération qui dit non à la violence, et qui pour ce faire l’embrasse peut-être, cette violence. Jusqu’où serait-on prêt à aller pour s’émanciper de sa condition sociale ? De sa dite “assignation”? Le jazz sera au cœur du projet grâce à mes partenaires le pianiste Roberto Negro et le batteur Sylvain Darrifourcq. Sur le plateau, Ecriture et Musique ne feront plus qu’un. L’axe musical sera travaillé à partir du texte sans en appuyer la narration. Modeler ensemble la prose et le son pour aboutir à une forme adaptable des grands théâtres au petit club, où l’on ne saurait plus dire si on assiste à un concert ou à une pièce de théâtre. En 2021, soixante ans se seront écoulés depuis 1961, une nouvelle génération se confronte à l’héritage historique de leurs parents. Ce spectacle pourrait être accompagné de témoignages, conférences et expositions. » – Françoise Dô Création le 10 janvier 2022 au Théâtre de Vanves AVEC LE SOUTIEN de la Direction des Affaires Culturelles de la Martinique, du ministère des Outre-mer, des Fonds d’aide aux échanges artistiques et culturels pour les Outre-mer FEAC, de La Comédie de Saint-Étienne – CDN, du Théâtre de Vanves – scène conventionnée d’intérêt national Art et création pour la danse et les écritures contemporaines à travers les arts, de Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines, du Printemps des comédiennes dans le cadre du Warm up, de la Cité internationale des arts de Paris, de Tropiques Atrium – Scène Nationale de Martinique, de la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon – Centre national des écritures du spectacle, de ETC_Caraïbes, des Francophonies – Des écritures à la scène, de L’Odyssée – L’autre rive – ville d’Eybens, de la fondation FACE, et des services culturels de l’ambassade de France à New-York pour la traduction en anglais par Nathanaël. Remerciements à Adrien Chiquet, Alfred Alexandre et son équipe d’ETC_Caraïbe. Durée 1h10 Grande Salle Carte TO Plein tarif 20€ 10€ Tarif réduit 14€ 8€ Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 12€ Salle des fêtes Pour épargner à son frère Samuel une énième hospitalisation psychiatrique, Marion décide avec sa compagne Lyn de l’associer à leur nouveau projet de vie racheter le site d’une ancienne usine dans un petit village à la campagne pour le rénover et l’habiter. En s’installant, le trio devient également propriétaire des trois écluses rattachées au domaine. Mais leur rêve de décroissance et d’habitat partagé va se heurter à une réalité de terrain. La région faisant face à une crue sans précédent, cette acquisition devient le centre d’enjeux politiques auxquels ilelles ne s’étaient pas préparées. Dans le huis-clos de la salle des fêtes du village, ilelles sont forcées d’interroger leur utopie et à se confronter à la complexité des rapports entre bien commun et propriété privée, ambitions écologiques et précarité sociale. NOTE D’INTENTION L’ailleurs est peut-être aujourd’hui moins l’espace de la conquête que celui du retour. Pour l’esprit aventurier contemporain, il convient finalement de trouver sa place, mais autrement. Salle des fêtes propose ainsi une réflexion sur l’utopie comme cet autrement, mais aussi sur la dualité entre le fait d’agir et celui d’espérer. Quand il n’y a plus de bonnes solutions », l’espoir est-il pour autant à proscrire ? » – Baptiste Amann EXTRAIT MARION – Alors c’est étonnant depuis quelques années… chaque fois que j’entends le nom d’une saison j’ai du Vivaldi dans la tête. En fait c’est pire j’ai la pub pour l’Opel Astra qui défile mentalement. J’ai un peu honte je dois dire. En matière de synesthésie c’est assez pauvre. J’aurais aimé être plus surprenante. C’est tout de même un sujet ça ! Ce fantasme à côté duquel on marche, et dont on s’éloigne à mesure qu’on grandit. Adolescente je voulais être Arthur Rimbaud sinon rien ; Rimbaud voyait des couleurs dans les lettres de l’alphabet. Moi, quand j’écoute Vivaldi, je vois juste une bagnole. » © Pierre Planchenault PRODUCTION L’ANNEXE COPRODUCTION La Comédie de Béthune – CDN Hauts-de-France, La Comédie de Saint-Étienne, TnBA – Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine, Le Méta – CDN de Poitiers Nouvelle-Aquitaine, OARA – Office Artistique de la Région Nouvelle-Aquitaine, Théâtre Dijon-Bourgogne – CDN, Nouveau Théâtre de Montreuil – CDN, Le ZEF – scène nationale de Marseille, Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines AVEC LE SOUTIEN du Fonds d’Insertion pour Jeunes Artistes Dramatiques, DRAC et Région Sud, du Fonds SACD Théâtre. Ce texte est lauréat de l’Aide à la création de textes dramatiques – ARTCENA. L’ANNEXE est conventionnée par le ministère de la Culture – DRAC Nouvelle-Aquitaine, subventionnée par la Ville de Bordeaux et la région Nouvelle-Aquitaine. Baptiste Amann est associé à La Comédie de Béthune – CDN Hauts-de-France, au Méta – CDN de Poitiers Nouvelle-Aquitaine ainsi qu’au Théâtre Public de Montreuil, Centre dramatique national 2022-2025. Il est également artiste compagnon du TnBA – Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine. Texte et mise en scène Baptiste Amann Collaboration artistique Amélie Enon Avec Olivier Brunhes, Alexandra Castellon, Julien Geffroy, Suzanne Jeanjean, Lisa Kramarz, Caroline Menon-Bertheux, Rémi Mesnard, Yohann Pisiou, Samuel Réhault, Marion Verstraeten Régie générale François Duguest Création lumière Florent Jacob Création sonore Léon Blomme Plateau et régie scène Philippe Couturier Scénographie Florent Jacob Construction décor Ateliers de la Comédie de Saint-Étienne Costumes Suzanne Aubert, Estelle Couturier-Chatellain Direction de production, diffusion Morgan Hélou Mardi, mercredi 19h30 Jeudi, vendredi, samedi 20h30 Dimanche 16h Carte TO Plein tarif 20€ 10€ Tarif réduit 14€ 8€ Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 12€

PierreJules Renard (qui ne retiendra que son second prénom) est le troisième et dernier enfant de François Renard (né en 1824), entrepreneur de travaux publics et de son épouse Anna Rosa Colin (née en 1836). Il naît le 22 février 1864, à Châlons-du-Maine où le père travaille alors. Les deux premiers enfants sont une fille, Amélie

Curieux de nature, Bertrand est toujours à l’affut du moindre petit scoop. Passionné par le football, il n’est jamais bien loin du ballon rond et de toutes les actualités qui en découlent. Toutefois, l’évènementiel du showbiz ou de la politique fait également partie de ses recherches journalistiques privilégiées. Décédé en 2004 des suites d'un cancer du côlon, Sacha Distel aura souffert dans les dernières années de sa vie. Plus jeune, il avait déjà rencontré des problèmes de santé importants. Laurent et Julien ont accepté d'évoquer ce sujet dans les colonnes du magazine "Ici Paris" en novembre 2021. Sacha Distel est décédé il y a 18 ans jour pour jour d'un cancer du côlon. Le célèbre interprète de "La belle vie", aura connu la gloire en tant que chanteur et guitariste dans les années 60. Il aura également vécu de belles histoires romantiques avec Juliette Gréco, Brigitte Bardot ou encore Jeanne Moreau, avant de trouver l'amour et fonder une famille avec Francine Bréaud, ex-championne de ski. En revanche, sa santé lui aura souvent joué des tours . "Il a eu un cancer de la thyroïde au milieu des années 1970, suivi d'une opération des cordes vocales. Pour un chanteur, c'était dur " révélait son fils Julien en novembre 2021 dans les colonnes d'Ici Paris, venu témoigner des soucis de santé de son père avec son frère Laurent. "Il a eu un mélanome de la peau, dont le pourcentage de guérison n'est que de 2%. Il a fait des chimios, et s'en est sorti. Ensuite, les médecins lui ont diagnostiqué un cancer du côlon, trop tard" rajoute Julien. Cette dernière pathologie aura malheureusement été fatale à l'artiste. "On est optimistes" Ses deux enfants ont également confié au magazine avoir hérité de certains traits de la personnalité de leur papa, visibles dans leur quotidien. "On est optimistes, ça vient aussi de notre mère ! Sacha était très sensible mais savait dire les choses. Moi aussi. Et je veux pouvoir me demander le jour où je vais partir "Est-ce que j'ai eu la belle vie ?" J'ai une vie très agréable, j'ai eu une enfance joyeuse, j'avance, la vie est courte !" ont-il expliqué. Les deux frères n'ont pas eu le même parcours de vie. Laurent a révélé avoir appris la mécanique chez un préparateur de voitures, avant de travailler pour le Paris-Dakar course de rallye, ndlr et dans l'équipe de recherche et développement du programme 905 dont Le Mans. De son côté, Julien, après avoir travaillé dans le sponsoring sportif, s'est lancé dans l'immobilier, et plus précisément dans la location de chalets et d'appartements de luxe. Aucun d'entre eux n'aura donc hérité de la fibre artistique de leur papa... Mais comme le dit si bien le proverbe "Il faut de tout pour faire un monde" ! Abonnez-vous à Purepeople sur facebook

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Ci-dessous vous trouvez la réponse pour Le père c’était Lucien le fils c’était Sacha Le père c’était Lucien le fils c’était Sacha Solution GUITRY Les autres questions que vous pouvez trouver ici CodyCross Cirque Groupe 85 Grille 3 Solution et Réponse. Lepère, c'était Lucien, le fils, c'était Sacha. Sang de __ : insulte dans le monde de Harry Potter. De transport, de caisse ou gagnant. Qu'est ce que je vois? Grâce à vous la base de définition peut s’enrichir, il suffit pour cela de renseigner vos définitions dans le formulaire. Les définitions seront ensuite ajoutées au dictionnaire pour venir aider les futurs internautes Sacha Guitry aimait les femmes, à sa manière. Mais ce natif de Saint-Petersbourg entretenait une relation particulière avec Paris. Françis Huster, l'un de ses plus fidèles admirateurs, le raconte au JDD. Paris était "sa maîtresse", dans la profession, ne semble mieux connaître Guitry que Francis Huster Crédit de la photo Carlos Munoz Yagüe pour le JDDC'est l'un des plus grands projets de sa carrière. "Un tournant dans ma vie", avoue-t-il, enthousiaste. Le 14 janvier prochain, Francis Huster commencera à filmer le remake de Umberto D, le chef-d'oeuvre néoréaliste de Vittorio De Sica. Un film monstre pour lequel il s'apprête à diriger plus d'une cinquantaine de comédiens. Parmi eux, Jean-Paul Belmondo, qui signera là son grand retour à l'écran. C'est peu de dire qu'Huster manque de temps. Hier en repérage, aujourd'hui en rendez-vous avec ses acteurs. Demain, caméra à la main. Il a pourtant répondu présent dès qu'il s'est agi d'évoquer Sacha Guitry 1885-1957. Ces deux-là ne se sont bien sûr jamais trouvés en présence l'un de l'autre. Et pourtant, nul, dans la profession, ne semble mieux connaître Guitry que Francis Huster. "Je l'ai rencontré trois fois, confie-t-il. A la télévision, tout d'abord où ses films ont bercé mon enfance. Et j'ai été bouleversé parla puissance de ce monstre sacré qui portait en lui une époque disparue." Arletty, avec laquelle Huster - une fois adulte - passait des après-midi entiers, lui a ensuite présenté l'homme. "Avec elle, j'ai découvert Sacha l'insolent, le libertin, le révolté, mais aussi le fils à jamais orphelin de Lucien Guitry." Enfin, François Truffaut lui a révélé le cinéaste extraordinaire qu'il était. Depuis, Francis Huster a multiplié les occasions de retrouver son héros. Il lui a consacré un ouvrage, mis en scène et joué plusieurs de ses pièces."La France était sa femme. La Ville Lumière, sa maîtresse"Aussi faut-il prendre le temps de l'écouter évoquer Guitry. Sa voix, chaude, fougueuse, si particulière, charrie toute l'histoire du théâtre pour raconter - au final - Paris dans ce que la ville a de plus beau. Ou de plus odieux. Au fil de cette balade, le comédien ravive la Belle Epoque, rallume la flamme des Années folles, se cabre pour évoquer l'épuration. "Sans Paris, il n'y a pas de Sacha ", précise-t-il. "La France était sa femme. La Ville Lumière, sa maîtresse. Ils entretenaient une relation saisonnière. Et comme toujours entre deux amants, il s'est lassé et elle a fini par le tromper. "Une liaison exceptionnellement retracée par Francis Huster, avec une force vibrante et une passion Allais et Renard au 26, place Vendôme"Né à Saint-Pétersbourg en 1885, Sacha est arrivé en France avec sa mère lorsque ses parents se sont séparés en 1889. Cela n'a pas empêché son père, Lucien, de le kidnapper pour le ramener avec lui en Russie en 1890. De retour à Paris un an plus tard, ce dernier s'installe au 26 de la place Vendôme où Sacha passe une partie de son enfance entouré d'Alphonse Allais, de Feydeau, de Jules Renard ou de Tristan Bernard, les amis de son père. Tous lui ont transmis un sens de l'humour juif, une certaine forme de distanciation face aux événements les plus durs. C'est probablement ce qui lui a permis de tenir pendant l'épuration. Si Lucien Guitry était considéré comme le plus grand acteur de son temps, Sacha n'a pas été un fils à papa pour autant. Au contraire. Lucien portait si haut le flambeau du théâtre qu'il n'a jamais osé aller sur le même territoire que lui. Du coup, il a été amputé de tous les grands rôles du classique. Cela lui a coûté dix ans de sa vie. Et lorsqu'il s'est brouillé avec son père, il a dû repartir de zéro. Mais c'est probablement ce qui lui a sauvé la vie."Le 26 de la place Vendôme est aujourd'hui occupé par des mariage à la mairie du 16e"Sacha a épousé Yvonne Printemps à la mairie du 16e. Cette dernière a beaucoup fait pour le rabibocher avec son père. Les deux hommes s'étaient fâchés à cause d'une femme Charlotte Lysès, qui avait d'abord eu Lucien pour amant, avant d'épouser Sacha. Et avec quelle insolence ! Non content de convoler avec la maîtresse de son père, ce dernier prenait en plus Sarah Bernhardt - le témoin du mariage de ses parents -, et Feydeau - l'ami de Lucien -, pour témoins. Avec Charlotte, Sacha a épousé une mère ; avec Yvonne Printemps, une femme ; avec Jacqueline Delubac, une amie ; avec Geneviève de Séréville, une petite fille ; avec Lana Marconi, une épouse. Mais il n'a jamais trouvé la femme de sa vie. Je crois que c'était Arletty. Elle était probablement celle à laquelle il était le plus attaché. ?J'allais pas épouser Sacha Guitry, il s'était épousé lui-même?, me disait-elle. C'est pourtant elle qui correspondait le mieux à son insolence. Leur couple a manqué à l'histoire du théâtre. On dit souvent que Guitry est misogyne. C'est n'importe quoi. Dans ses pièces, c'est l'homme qui trompe, pas la femme. Il était fou des femmes. Elles n'ont malheureusement jamais été folles de lui. Peut-être parce qu'il n'a jamais su les entendre, même s'il savait leur parler."71, avenue Henri-Martin, insolence dans les théâtres privés"Sacha a débuté au Théâtre Antoine. Il était à l'Edouard-VII comme chez lui. A la Madeleine, il a été trahi par Yvonne Printemps. Le Théâtre des Mathurins a, un temps, porté son nom. Les Variétés ont été sa dernière maison. La vraie demeure de Sacha Guitry se trouvait sur ces scènes privées parisiennes où il a inventé le théâtre moderne. Avec lui c'en est terminé des longues tirades et des textes ampoulés. Place à un théâtre neuf, frais, avec de vraies répliques portées par une révolte à la Molière, une insolence à la Beaumarchais, une audace à la Feydeau. Ses pièces décortiquent et attaquent le Paris bourgeois de son époque. Dans cent ans, je suis sûr qu'on les mettra en scène de façon plus âpre, plus sèche, plus proche de la cruauté. Jouer du Guitry est bien plus difficile qu'on ne le croit car il est impossible de tricher. Certes, les acteurs sont rois chez lui. Et il leur offre des rôles sublimes. Mais ce ne sont pas forcément des personnages. D'où l'importance de ne pas imiter Guitry. Encore moins de s'imiter soi-même. Les Brasseur père et fils y parviennent à merveille aujourd'hui sur la scène du Théâtre Edouard-VII. Tout comme Jean Piat ou Pierre Arditi."Le Théâtre Edouard-VII, 10, place Edouard-VII, 9e, présente "Mon père avait raison", de Sacha Guitry. Mise en scène de Bernard Théâtre Antoine, 218, bd de Strasbourg, Paris 10e, présentera, à compter du 25 janvier, "Le dieu du carnage", de Yasmina consécration au cinéma Le Marignan"La première du Roman d'un tricheur a eu lieu au Marignan en septembre 1936. Un triomphe. Le cinéma représente pour Guitry la vengeance du cancre. Plutôt que de se plier aux règles du 7e art, il les a réinventées, en inaugurant la voix off, le flash-back, la prédominance de l'auteur. Il imagine des génériques inédits, tourne en extérieur bien avant la nouvelle vague, réussit des cadrages époustouflants et parvient à nous faire croire à l'impossible. Quant à sa direction d'acteurs, elle est magistrale. Beaucoup ont tourné avec lui. Mais Michel Simon est à mes yeux celui qui a le mieux compris son univers. Tous deux partagent une même insolence farouche. Et une même perversité. Il y a chez l'un comme chez l'autre un côté ?je ne suis pas ce que vous croyez?. Autant le théâtre de Guitry est profondément ancré dans les Années folles, autant son cinéma est fondé sur l'universel. Il est même politique. La poison est un film génial contre la peine de mort."Cinéma Gaumont Champs-Elysées, 27, avenue des Champs-Elysées, Paris mains des résistants, rue de Grenelle"Le 23 août 1944, des ?résistants? sont venus chercher Sacha Guitry chez lui pour l'interroger à la mairie du 7e avant de l'envoyer à la prison de Fresnes. Tout était parti d'un article du magazine Life dénonçant des collaborateurs auxquels il avait été inclus. Son chemin de croix s'est achevé en octobre par un non-lieu. Guitry était alors le plus grand. Comme Zidane aujourd'hui. Si la guerre éclatait et que Zidane n'entrait pas en Résistance, on le lui ferait payer de la même manière. Guitry avait pourtant été le seul à refuser d'être joué en Allemagne. Avec Arletty, il a tout fait pour sauver Tristan Bernard et bien d'autres de la déportation avant d'être trahi par certains qu'il avait aidés. Certes, Jean Gabin, Claude Dauphin ou Jean Marais se sont engagés. Guitry, pour qui j'ai un profond respect, n'est pas un héros. Juste un homme. Et il a pensé que le meilleur moyen de résister, c'était de continuer son art. Molière, Racine et Corneille n'avaient pas fait autre chose en leur temps."Mairie du 7e, 116, rue de Grenelle, rôle au 18, avenue Elysée-Reclus"Cet hôtel particulier avait été construit en 1910 pour Lucien Guitry. Il y a habité jusqu'à sa mort en 1925, date à laquelle Sacha s'y est installé. A compter de ce jour, il a joué le rôle de son père, endossant le personnage de Lucien jusqu'à la fin de sa vie. C'est ce dernier qui collectionnait les ?uvres d'art comme les maîtresses. C'est encore lui qui couchait avec ses partenaires, dépensait un fric considérable quitte à se couvrir de dettes. Jouant ce rôle-là, Sacha ne pouvait être père lui-même. C'est pour cela qu'il n'a jamais eu d'enfants. A mes yeux, sa vraie maison n'est pas là mais dans les théâtres privés parisiens. Ce sont des lieux sacrés."L'hôtel particulier de Sacha Guitry a été détruit et remplacé par un JDD papier dominical pour demander le Doyen de la part du Président de la République. Trois fois, l'un des fils de la famille, qui pensait que les plaisanteries de la semaine avaient assez duré, répondit "Cambronne" et même la quatrième "Re-Cambronne". Or, c'était Vincent Auriol lui-même qui téléphonait pour sa femme, victime d'un petit malaise, Text Notes References About the author Full text Tu as consacré toute ta vie à ton métier,T’y donnant tout fus un modèle exemplaire,N’ayant jamais connu qu’un maître le Public,Et n’ayant eu qu’un but lui à Pierrot le Sublime, in Deburau, Sacha Guitry 1Après s’être plu à dramatiser les biographies de personnages historiques, Sacha Guitry met en scène la monographie de certaines professions il débute par celle de l’acteur avec Deburau 1918 et Le Comédien 1921. Deux pièces, deux mises en abîme où Guitry s’attache à porter à la scène les coulisses du théâtre 1 Benjamin Crémieux, Comœdia, mars 1938 ; article découpé par Sacha Guitry et annoté ... 1924 est l’année des Six personnages en quête d’auteur et, sauf erreur, 1925 est celle de la Comédie du bonheur d’Evreinov. Si Sacha Guitry néglige la mode, il n’en baigne pas moins, et c’est à sa louange, dans l’air du temps1. 2 Propos de Sacha Guitry rapportés par Lucien Dubech, Le Matin, 22 janvier 1921. 3 Sacha Guitry, Deburau, in Théâtre et théâtre je t’adore, Paris, Omnibus, 2005, acte I, p. 6 ... 2Par la traversée des apparences et le redoublement de l’illusion, s’élabore une vision d’un métier magnifique et terrible »2, fait de bonheurs autant que de sacrifices. Dans la première de ces pièces, Jean-Gaspard Deburau, acteur pantomime sans passion, sans parole et presque sans visage, qui dit tout, exprime tout, se moque de tout »3 renonce à ses amours en même temps qu’à la scène en faisant un adieu pathétique à son public, une fois la vieillesse venue ; dans la seconde, le Comédien sacrifie pour le théâtre une passion amoureuse, la femme aimée n’étant pas à la hauteur de son rôle. Dans les deux cas, l’art semble un sacerdoce mais aussi un métier dont il conviendrait d’exposer la réalité aux spectateurs. C’est d’ailleurs en ces termes que Roland Dorgelès salue la première du Comédien dans La Lanterne 4 Roland Dorgelès, La Lanterne, 22 janvier 1921. Vous ne savez pas, en somme, ce que c’est que la vie d’un homme de théâtre ; vous connaissez le cœur des personnages qu’il a joués, mais pas le sien ; vous croyez connaître sa vie privée quand on ne vous a livré que sa légende ; et vous ignorez aussi ce que représente de patients efforts, de travail obstiné, d’intrigues, la mise en scène d’une pièce. Eh bien, allez au Comédien, vous saurez tout cela4. 3Le temps ayant fait son œuvre, nous connaissons désormais le sort de ces pièces qui furent le prétexte de nombreuses reprises. Deburau fut la pièce fétiche de Sacha Guitry elle fut l’occasion de la réconciliation avec son père après une brouille de treize ans, et c’est sous les traits de Deburau que Guitry fit ses adieux à la scène le 13 décembre 1953, à Bruxelles. Dès 1918, Sacha Guitry avait donc imaginé la pièce des adieux, toute son œuvre semblant le conduire à un destin préalablement fixé par l’écriture l’art conditionnerait l’existence même en la devançant. Parcours similaire pour Le Comédien, pièce créée en 1921 au théâtre Édouard VII avec Lucien Guitry dans le rôle titre, et reprise au théâtre de la Madeleine en 1938 par Sacha Guitry, l’âge imposant naturellement d’incarner, après son père, le rôle d’un artiste sur le retour. Reprises qui, tels des cycles, laissent vivre l’œuvre en transformant son sens, les époques et les interprètes ayant forcément changé. De ce tremblement, découle la séduction 5 Benjamin Crémieux, Comœdia. Lucien Guitry avait créé le rôle du Comédien. Sacha Guitry le reprend aujourd’hui et s’y impose avec autant d’autorité que son père ; l’avouerai-je ? J’y préfère Sacha à Lucien. Sacha entre sans réserve dans le personnage ; son père y montrait je ne sais quel détachement un peu supérieur, un je ne sais quoi qui semblait dire Je condescends ». À la dernière scène seulement, l’intensité de ses silences exprimait la douleur et la lutte intérieure du vieil amant sacrifiant son jeune amour à son art éternel avec une force communicative qui n’est ni dans les moyens ni dans les goûts de Sacha5. Projet de buste de Lucien Guitry, par Sacha Guitry 4Ces reprises déclenchent également des modifications d’importance, comme le signale Sacha Guitry 6 Sacha Guitry, document dactylographié enregistré par Radio-Luxembourg le samedi 16 févrie ... À sa création, Le Comédien était une comédie en quatre actes. La pièce est, aujourd’hui, précédée d’un prologue. Ce prologue est le dernier acte d’une comédie en trois actes – d’une fausse comédie, si j’ose ainsi dire. Il existait, ce prologue, mais j’avais préféré le supprimer à la représentation, car il semblait être la parodie, le pastiche d’un écrivain dramatique qui vivait encore en 1921. Cet écrivain n’est plus – et la crainte que je pouvais avoir de le désobliger jadis n’ayant plus sa raison d’être à présent, nous jouerons pour la première fois ce prologue, jeudi. […] Pourtant, un mot encore que les personnes qui, à la création, ont vu mon père dans le rôle que je vais jouer me fassent la grâce de rester sur leur impression6. 7 Le comédien et son musée », Comœdia, janvier 1921. Cf. infra, Le musée du coméd ... 5Quelles fonctions accorder à ces reprises et variantes ? Inscrivant le théâtre – art de l’éphémère – dans un continuum temporel, elles en appellent à la mémoire pour combattre l’oubli Sacha Guitry invite le spectateur à la nostalgie en lui proposant de visiter le musée dédié aux comédiens pendant les entractes de la représentation, la robe de Sarah Bernhardt dans Phèdre, la couronne de Talma dans Néron, la collection de cannes de Lucien Guitry dans ses principaux rôles étant quelques-unes des meilleures attractions7. D’où la réaction de Lucien Dubech dans Le Matin 8 Lucien Dubech, Le Matin, 1921, BnF, Fonds Guitry. La gloire des acteurs est éclatante mais elle est viagère. Quand nous voyons ces vieux acteurs se cramponner à leurs rôles et à leur culture moyenne sur les grands comédiens du passé, c’est à peine si quelques noms surnagent d’une mer aussi indifférente que le Léthé pour toute l’Antiquité Roscius, puis plus rien jusqu’aux acteurs qui eurent la chance de rencontrer Racine ou Molière […] Plus près de nous, en un siècle, trois ou quatre noms Lekain, Clairon, Lecouvreur, Favart […]. Au XIXe siècle, Talma, Rachel, Mars Lemaître, encore un ou deux, mais qui sait ce qu’ont été les comédiens illustres de la génération précédente ? […] Lucien Guitry peut bien représenter à notre époque le Comédien, comme Talma fut à la sienne le Tragédien8. 9 Le Comédien, film de 1948 ; Deburau, film de 1951. 10 Fragments notamment tirés de Si j’ai bonne mémoire », Mon Portrait », Portraits et an ... 6Notons enfin les adaptations cinématographiques des deux œuvres9, la mise en scène engendrant sa propre relativité en entrant dans un jeu de traductions en boucle. Dès les premières images du Comédien, on est frappé d’entendre des fragments tirés des notes et souvenirs de Sacha Guitry10 à la place du prologue – pastiche d’un mélodrame – prévu pour le théâtre. Au lieu de cette critique d’un théâtre de convention sensible pour les seuls amateurs de théâtre, l’action décline le portrait du père apparaissant dans ses rôles les plus célèbres, l’évocation construisant, sous des dehors légers et séduisants, une petite théorie de l’art de l’acteur 11 Sacha Guitry, Théâtre…, t. II, p. 27-28. Le métier de comédien est-il un métier comme un autre ? Les comédiens sont-ils des hommes comme les autres ? Eh bien, tout compte fait, non11. 12 Sacha Guitry, Le Comédien, acte III, p. 950. 13 C’est le cas de Lucien Guitry dans Le Comédien. 14 C’est le cas de Deburau. 7La première différence tient au fait que si les autres prennent des métiers, c’est le métier qui prend le comédien »12. La biographie de l’acteur témoigne ensuite de sa prédestination élève médiocre13 ou honte de la troupe » d’un cirque ambulant14, l’enfant montre en revanche un intérêt passionné pour la lecture ou la communication silencieuse, le travers initial se muant avec le temps en qualité incontestable. Vient ensuite le moment de la reconnaissance, la prédisposition étant révélée par un maître ou par le public, l’essentiel étant de se frotter à la scène sans refuser d’emprunter des chemins de traverse le Comédien décline une offre de la Comédie-Française et part neuf ans pour la Russie où il fait applaudir le théâtre français ; le chagrin d’enfance de Deburau se transforme en gestuelle expressive. Dans les deux cas, le refus de tout académisme renforce le talent artistique. Le comédien est d’abord un rebelle aux ordres de la famille et de la société, car il s’agit d’une vocation plus que d’un apprentissage 15 Sacha Guitry, Le Métier de comédien », in Théâtre…, p. 27-28. C’est un métier pour lequel il faut être doué ; on ne peut pas devenir un bon comédien à force de travail, d’intelligence et de volonté. On peut jouer la comédie sans aucun don, mais on la joue mal. On fait mal semblant. Or, savoir faire semblant, cela ne s’apprend pas15. 8Si Deburau, répondant ainsi à l’insistance de son fils Charles, consent finalement à lui donner une leçon de pantomime, c’est qu’il croit seulement aux vertus de l’hérédité, le fils remplaçant le père sans effacer son nom. Tous les acteurs du théâtre du Funambule veulent assister à la dernière classe du maître qui délivre les secrets de son art en ces termes il faut avoir le trac pour être artiste, jusqu’au moment de la loge ; puis masquer sa peur face au public. En scène, le comédien doit être léger, simple, charmant, jamais vulgaire, pas trop intelligent, c’est inutile. Il doit se souvenir 16 Sacha Guitry, Deburau , in Théâtre…, acte III, p. 688. que les professeurs sont tous mauvais et, quand on est doué, qu’ils sont des criminels, car ils n’enseigneront jamais, hélas ! que leurs défauts. Tous les gestes sont bons quand ils sont naturels, ceux qu’on apprend sont toujours faux16. Dans Le Métier de comédien, Sacha Guitry rajoute 17 Sacha Guitry, Le Métier de comédien », in Théâtre… Le comédien est un homme dont la fonction naturelle est d’être un autre homme pendant quatre heures, tous les jours. Jouer la comédie, c’est mentir avec l’intention de tromper, c’est créer l’illusion d’une quantité, d’une infinité de sentiments divers qu’on n’éprouve pas et qu’il convient pourtant de faire partager17. 9Dans ces textes, Sacha Guitry se réfère directement aux théories de Diderot, les techniques de jeu visant à exercer un effet sur la perception du spectateur sans identification de la part de l’acteur ni avec le caractère du personnage ni avec la logique du comportement lié à son rôle. C’est donc au spectateur qu’il revient de vivre l’action, l’acteur lui imposant, par sa technique, une relation d’identification. Car le public est l’ultime visée de l’acteur authentique qui doit se sacrifier à son attente pour lui procurer du plaisir, dût-il lui-même en souffrir. Tel est, en effet, le sens des paroles de Deburau lors de sa dernière classe 18 Sacha Guitry, Deburau, acte IV, p. 693. Adore ton métier, c’est le plus beau du monde ![…] Fais rire le public, dissipe son ennui,Et, s’il te méprise et t’oublieSitôt qu’il a passé la porte,Va, laisse-le, ça ne fait rien,On se souvientToujours si mal de ceux qui vous ont fait du bien18 ! 10C’est au docteur qu’il revient finalement de faire le panégyrique du métier, l’un reconnaissant à l’autre sa capacité à soigner le public 19 Ibid., acte III, p. 678-679. Le docteur Et je respecte volontiersCeux-là qui font métierDe distraire les autresEt de les amuser. […] Celui qui fait sourire est un grand bienfaiteur !Il peut ce que jamais n’a pu faire un a sur nous un avantageIl peut, sans le vouloir, sans être intelligent,Il peut rendre le goût de la vie à des gens19 ! 11De la même façon, le Comédien s’interroge sur le public qui donne sens à son métier. S’il a l’occasion de parler à douze cents personnes tous les soirs, comment lui rendre service » ? Faudrait-il, à l’instar des naturalistes, lui dépeindre les misères de la vie ? 20 Sacha Guitry, Le Comédien, in Théâtre…, acte I, p. 910-911. Le comédien Pas du tout, justement. […] Il ne suffit pas de montrer ce qui est laid, il faut aussi montrer ce qui est Beau ! Le Bonheur, l’Amour, la Gloire, la Santé, la Peinture… tout ce qui est beau et tout ce qui est accessible. […] Savez-vous ce qu’est le public ? […] C’est notre pays20. 12Le rôle de l’acteur n’est donc qu’un outil, sa fonction véritable étant d’instaurer un dialogue avec le public c’est ainsi qu’il doit contribuer, par-delà les masques de son personnage, à l’édification esthétique et morale des spectateurs. De la sorte, les comédies se font actes de foi. Si Guitry ne renonce à aucune des observations comiques que le thème lui offre – le directeur et l’argent, le comédien et sa vanité, la jalousie de ses partenaires –, le sujet même de ses pièces est l’analyse des raisons profondes qui font qu’un comédien est un comédien, mais aussi de ce qu’il pourrait être si l’on admettait sa mission sociale. Son amour, dirait Guitry. * * * 13Le comédien est avant tout un analyste de l’amour. Mais il existe deux sortes d’amour l’amour apparent et somme toute superficiel, celui du Comédien pour Jacqueline Maillard par exemple, jeune femme qui se trompe en croyant aimer celui qu’elle admire sur les planches du théâtre, ou de Deburau pour Marie Duplessis, la Dame au Camélia. Et l’amour véritable, inextinguible parce que désincarné et idéel celui de l’acteur pour le public. Dans les deux pièces, Deburau et le Comédien doivent renoncer aux amours trompeuses comme aux rêves narcissiques pour devenir personne, c’est-à-dire tout le monde. S’il est alors impossible de faire la part du rôle et de l’artiste, Sacha Guitry s’abîmant dans les ombres fantomatiques de Deburau ou du Comédien, c’est que le théâtre est sa vie comme sa vie est son théâtre. À ce prix seulement, le mensonge que suppose tout rôle sera parachevé car mené à ce point extrême où l’acteur s’annule pour faire vivre un autre en lui-même, pour l’amour du public. * * * 14Sacha Guitry a sans doute eu l’intuition de l’esthétique contemporaine de l’autofiction le premier, il renonce à la notion d’emploi alors en vigueur dans le théâtre de boulevard, à ces 21 Classification de Maurice Rostand pour auditions possibles, in Comœdia, 22 janvier 1921, Bn ... grands premiers comiques, grands premiers rôles, jeunes premiers et premiers rôles, amoureux et amoureuses, confidents et manteaux, raisonneurs ou duettistes21 qui occupent les scènes françaises de l’époque, pour imposer sa seule présence 22 Sacha Guitry, Le Comédien, in Théâtre…, acte II, p. 933. Le comédien Savez-vous ce qu’est un artiste ? Un artiste, c’est un comédien qui n’a pas d’emploi défini. […] Un artiste n’a pas d’âge… il joue les vieillards quand il est jeune et les éphèbes quand il est trop vieux pour jouer les hommes mûrs22. 15Si le métier de comédien est, selon les dires de Guitry, magnifique et terrible », c’est qu’il abolit définitivement la notion d’intimité. Dès lors, tout ce qui est vécu par le comédien deviendra matériau pour la scène, la vie se recyclant inévitablement dans l’art. Deburau est une part de l’enfance de Guitry, moment initiatique où se joue de façon encore inconsciente le destin du futur homme de théâtre 23 Sacha Guitry, Cinquante ans d’occupations, p. 326-327. C’est à Saint-Pétersbourg, en 1890, que j’ai joué la comédie pour la première fois. Joué n’est pas tout à fait exact. En vérité, j’ai figuré dans une pantomime en un acte que mon père avait faite en collaboration avec un grand comédien russe qui se nommait Davidof. Cette pantomime fut créée au Palais Impérial, devant Alexandre III. Mon père y jouait le rôle de Pierrot. Moi, j’étais Pierrot fils. […] Lorsque, après une interminable séparation de treize années, mon père vint me voir jouer pour la première fois, c’était au Vaudeville, et je jouais Deburau. Vingt-huit ans s’étaient écoulés depuis l’époque de mes débuts à Saint-Pétersbourg – et je puis dire, en somme, qu’il ne m’avait pas vu jouer depuis le jour où cette photographie avait été prise. Vingt-huit années, et il me retrouvait en Pierrot ! Mais, ce jour-là, c’était moi qui jouais le rôle du père23. 16De même, l’intrigue du Comédien est tout entière inspirée d’une lettre de Talma que Guitry conserve comme un document précieux Je possède une lettre de Talma des plus intéressantes. […] L’actrice qui jouait avec lui à Bruxelles ne pouvant pas l’accompagner de ville en ville, le directeur demandait à Talma d’accepter une certaine demoiselle Bellanger, propre à la remplacer dans les principaux rôles féminins de son répertoire. Mlle Bellanger n’avait pas de talent, et Talma le savait. Il aurait pu fort bien ne pas s’en soucier. Il aurait pu fort bien penser Moi seul, et c’est assez », ainsi que trop de grands acteurs le pensent et le disent. Talma n’était point de ceux-là. Il écrivit au directeur 24 Sacha Guitry, Du grand danger de ceux qui remplacent les autres », in Théâtre…, p ... Mon cher Ami,J’accepte volontiers votre proposition, et c’est avec plaisir que j’irai jouer tant à Anvers qu’à Liège et qu’à Namur, ainsi qu’à Charleroi. Mais je vais être irréductible quant au choix que vous avez fait de Mlle Bellanger. C’est une personne ravissante, mais dont le jeu, hélas ! est superficiel. Je vous prie instamment de ne pas me l’imposer pour jouer avec moi, car […] cela me fatiguerait été en effet demander à Talma d’interpréter deux rôles, ce qui n’eût point manqué de le fatiguer24. 25 Antoine, Un grand portrait d’acteur », chronique hebdomadaire de L’Information, 1921. 17Les pilotis de l’œuvre sont restitués au gré de notes fragmentaires concernant les souvenirs de Guitry ; la biographie étant constituée de scènes éminemment théâtrales, l’art sert d’abord à lire sa propre vie ; toute pièce prend alors l’allure d’une confidence personnelle », comme le disait Antoine à propos du Comédien25, la réalité de l’existence menant à l’esquisse du portrait universel de l’acteur. * * * 26 Voir, par exemple, à ce sujet, la critique de Pierre Mille, dans La Renaissance, fé ... 27 Pornographie provisoire », Comœdia, février 1921. 18On a souvent reproché à Guitry de se mettre » dans ses ouvrages26, certains allant jusqu’à parler de pornographie provisoire », le Comédien cédant aux avances d’une jeune étourdie sous le regard bienveillant de son oncle, triste représentant de notre morale finissante, de notre morale passive »27, d’autres saluant cette incorporation inédite de l’homme et de l’œuvre. Il semblerait plutôt que le prétendu narcissisme de Guitry soit un malentendu, l’artiste sacrifiant son ego dans la pratique du théâtre et se travestissant toujours pour s’engloutir et se perdre dans la multiplication des rôles. Si la thématique de la surface et des profondeurs engendre une incessante dialectique dans l’œuvre de Guitry – les coulisses enseignant plus que la scène et les masques plus que la réalité – c’est que l’acteur, forcément rebelle aux règles habituelles du monde, masque sa tristesse d’une mélancolique élégance. Sans rôle et sans amour, l’acteur n’est plus personne telle est la première leçon de Deburau et du Comédien. Mais c’est sans doute que, pour être un grand artiste, il fallait déjà n’être rien. D’où la nostalgie du Comédien après la dernière, sorte de condamnation au vide après l’illusion du masque 28 Sacha Guitry, Le Comédien », in Théâtre…, acte I, p. 908. L’habilleuseVous aimez ça, vous regarder dans la glace, hein ?Le comédienCe n’est pas moi que je regarde… ce sont les autres !L’habilleuseQuels autres ?Le comédienCeux que je joue…L’habilleuseOui, mais comme celui-là, vous ne le jouerez plus…Le comédienJustement, je lui dis Adieu28. 19En conclusion, il semblerait que la traversée des apparences, si souvent symbolisée par des scènes de vanité face au miroir dans l’œuvre de Guitry, soit l’illusion suprême à laquelle le bon acteur aurait renoncé n’étant rien que les autres, sous le masque, il s’adresse à la communauté des hommes en traitant légèrement de sujets sérieux. Avec Lucien Guitry et Yvonne Printemps Top of page Notes 1 Benjamin Crémieux, Comœdia, mars 1938 ; article découpé par Sacha Guitry et annoté par ses soins de la sorte Voilà une critique qui me paraît assez indépendante », archives Guitry, BnF. 2 Propos de Sacha Guitry rapportés par Lucien Dubech, Le Matin, 22 janvier 1921. 3 Sacha Guitry, Deburau, in Théâtre et théâtre je t’adore, Paris, Omnibus, 2005, acte I, p. 612. 4 Roland Dorgelès, La Lanterne, 22 janvier 1921. 5 Benjamin Crémieux, Comœdia. 6 Sacha Guitry, document dactylographié enregistré par Radio-Luxembourg le samedi 16 février 1938, BnF, Fonds Guitry. 7 Le comédien et son musée », Comœdia, janvier 1921. Cf. infra, Le musée du comédien ». 8 Lucien Dubech, Le Matin, 1921, BnF, Fonds Guitry. 9 Le Comédien, film de 1948 ; Deburau, film de 1951. 10 Fragments notamment tirés de Si j’ai bonne mémoire », Mon Portrait », Portraits et anecdotes », dans Cinquante ans d’occupations. 11 Sacha Guitry, Théâtre…, t. II, p. 27-28. 12 Sacha Guitry, Le Comédien, acte III, p. 950. 13 C’est le cas de Lucien Guitry dans Le Comédien. 14 C’est le cas de Deburau. 15 Sacha Guitry, Le Métier de comédien », in Théâtre…, p. 27-28. 16 Sacha Guitry, Deburau , in Théâtre…, acte III, p. 688. 17 Sacha Guitry, Le Métier de comédien », in Théâtre… 18 Sacha Guitry, Deburau, acte IV, p. 693. 19 Ibid., acte III, p. 678-679. 20 Sacha Guitry, Le Comédien, in Théâtre…, acte I, p. 910-911. 21 Classification de Maurice Rostand pour auditions possibles, in Comœdia, 22 janvier 1921, BnF, Fonds Guitry. 22 Sacha Guitry, Le Comédien, in Théâtre…, acte II, p. 933. 23 Sacha Guitry, Cinquante ans d’occupations, p. 326-327. 24 Sacha Guitry, Du grand danger de ceux qui remplacent les autres », in Théâtre…, p. 55-56. 25 Antoine, Un grand portrait d’acteur », chronique hebdomadaire de L’Information, 1921. 26 Voir, par exemple, à ce sujet, la critique de Pierre Mille, dans La Renaissance, février 1921. 27 Pornographie provisoire », Comœdia, février 1921. 28 Sacha Guitry, Le Comédien », in Théâtre…, acte I, p. of page References Bibliographical reference Sophie Lucet, “Portrait de l’artiste en rebelle Le Comédien, Deburau”, Double jeu, 3 2006, 123-134. Electronic reference Sophie Lucet, “Portrait de l’artiste en rebelle Le Comédien, Deburau”, Double jeu [Online], 3 2006, Online since 06 July 2018, connection on 27 August 2022. URL DOI of page About the author Sophie LucetMaître de conférences en Études théatrales à l’université de Caen this author Published in Double jeu, 1 2003 Entretien avec Philippe Caubère Published in Double jeu, 1 2003 Entretien avec Valérie Dréville Published in Double jeu, 1 2003 Quelqu’un va venir, de Jon Fosse Published in Double jeu, 6 2009 Top of page p97u. 392 306 274 75 330 320 226 29 7

le père c était lucien le fils c était sacha